bitácora personal

Videoarte y Apropiacionismo.

2006-07-06T04:56:00.000-05:00

Videoarte y Apropiacionismo.
La década de los 60 es un período de especial relevancia en el campo creativo; en esta época aparecerán una diversidad llamativa de lenguajes artísticos que convivirán e incluso interactuarán entre ellos. Es la época de la ambigüedad del pop art, del reduccionismo del minimal, de las intervenciones paisajísticas del land art o de la irreverencia transgresora de Fluxus. También durante esta década y la siguiente los artistas intentarán vincular más que nunca el arte a la vida; son tiempos en que el objeto artístico tiende a una progresiva desmaterialización y la obra de arte aparece muchas veces ligada al entorno más inmediato.

En estos años se estaban produciendo tanto en Europa como en Estados Unidos una serie de fenómenos que sin duda condicionarán decisivamente a la sociedad y a la práctica artística del momento. Se había salido del conformismo de la década anterior y se imponían nuevos cambios; además, la crispada situación socio-política no propiciaba precisamente el inmovilismo. En Estados Unidos moría asesinado Kennedy, estallaban violentos disturbios raciales y se enviaban tropas a Vietnam. Será una época de revueltas y de ideas revolucionarias que pretenderán cambiar el mundo; aparecerá con fuerza el pacifismo, surgirán las comunas de hippies, y se producirán unas revueltas estudiantiles que marcarían para siempre a toda una generación.

Junto a todo esto, el inicio de la década vendrá también caracterizado por el creciente poder del control informativo. Son tiempos en que la enorme presencia de televisiones, radios y prensa están llamados a condicionar poderosamente la forma de pensar del hombre occidental. Sin embargo, a pesar de ello, los sectores más críticos de una sociedad cada vez más desengañada y combativa reaccionarán ante la unidireccionalidad manipuladora de los mass-media.

Precisamente hay que relacionar los orígenes del vídeo y su incorporación a la práctica artística con esta oposición militante y combativa a los medios de comunicación, y de forma más concreta a la televisión. Además de esta actitud contrainformativa, el vídeo también aparecerá ligado a lenguajes interdisciplinares y anti-objeto de los artistas del happening, la performance o el grupo Fluxus.

Vinculado a Fluxus aparece la figura de Nam June Paik, uno de los pioneros -si no el pionero- del videoarte. Este histriónico coreano coincidirá con el alemán Wolf Vostell en la ciudad de Colonia; precisamente en los famosos estudios de la WDR-TV ambos iniciarán sus primeras experiencias con el medio televisivo. En 1963 Paik y Vostell mostrarán sus primeras realizaciones artísticas con aparatos de televisión. En 1965 Paik llevará a cabo su primera exposición personal en la ciudad de Nueva York. Ese mismo año logrará adquirir un portapack de Sony antes de su comercialización y con el filmará la primera obra con un equipo portátil de vídeo.

Estas experiencias pre-vídeo serán anteriores a la definitiva comercialización en Estados Unidos del portapack; con el lanzamiento de Sony del equipo portátil de vídeo en 1968 es cuando se iniciará la larga carrera del videoarte. Poco a poco el nuevo medio se irá incorporando a todo tipo de disciplinas artísticas -música, danza, performance-, también pronto tendrá lugar la primera muestra monográfica sobre videoarte en Estados Unidos.

Después de estas primeras experiencias, el vídeo atravesará un importante desarrollo en las siguientes dos décadas; de hecho la lista de artistas que se afiliarán al vídeo podría ser lo suficientemente extensa como para poner de relieve que pronto la videocreación será asimilada y absorbida por los circuitos artísticos comerciales. Precisamente esta asimilación institucional coincidirá con la crisis de la modernidad y el inicio de la era postmoderna. A pesar de todo, el videoarte no morirá con la modernidad y continuará su trayectoria, una trayectoria realmente rica y heterogénea plagada de propuestas e ideas particulares.

Una de las prácticas artísticas más peculiares que aparecerá ligada al fenómeno del vídeo será el denominado found-footage. Muchos artistas se interesarán por las posibilidades del collage y la apropiación aplicada al terreno del vídeo. Así, alrededor de los años 60 aparecerán una serie de creadores y colectivos que articularán un discurso visual a partir de todo tipo de fragmentos de filmes o programas televisivos. Esta corriente tendría sus antecedentes en la plástica cubista de Picasso o Braque y en las aportaciones dadaístas de Schwitters, Arp o Ernst. También aparecerá una estrecha conexión con los movimientos pop y su interés en la acumulación de lenguajes relacionados con los medios de comunicación y la publicidad.

Sin embargo, además de las corrientes de vanguardia, el recurso del collage y la apropiación de la imagen -en este caso filmada- será utilizado por la misma industria cinematográfica. Si se presta atención, ya desde el primer cine se observa el recurso de la incorporación de fragmentos extraídos de otras fuentes filmadas. Y no sólo el cine utilizará el recurso del reciclaje o la apropiación de imágenes; si observamos la televisión contemporánea, cualquier noticiario, serie, spot o video-clip utiliza con alegría el recurso de la usurpación audiovisual. En cualquier caso esto pone de relieve que la práctica del collage, apropiación o reciclaje fílmico se remonta al mismo origen del medio audiovisual.
La obra basada en el reciclaje y la apropiación plantea una serie de interesantes cuestiones. Este tipo de obras prescinden de la filmación convencional y del rodaje; se trata de un tipo de realización de bajo coste. Los artistas del reciclaje audiovisual son conscientes de la inmensa cantidad de imágenes que pueblan el entorno del hombre moderno; existen una gran cantidad de obras filmadas que pueden ser reutilizadas con otros fines. Precisamente en este último punto se encuentra la idea principal del film de reciclaje; la manipulación y reordenación a la que el artista somete la imagen propicia una nueva visión; esta nueva mirada oscila normalmente entre la crítica visceral o el simple ludismo. En cualquier caso la imagen primigenia propiciará sin quererlo una nueva lectura de ella misma.

De todos los creadores vinculados a este tipo de obras basadas en la sustracción cinematográfica y su posterior manipulación, merece una especial atención por su radicalidad los grupos situacionistas y letristas. Estos dos grupos, con un carácter abiertamente combativo, contarán con la militancia en sus filas de personalidades como Guy Debord, Cécile Fontaine o Roland Sabatier. Estos colectivos cuestionarán la propia imagen filmada a través de todo tipo de intervenciones y acciones directas sobre el mismo film. Así, en muchas de sus obras, se agredirá de forma virulenta la imagen y el sonido, atacando violentamente a la vacía y hueca reproducción realista.

Estas agresiones consistirán a veces en el raspado, la ralladura o incluso el perforado de la cinta con todo tipo de elementos y sustancias. Junto a este ataque a la fidelidad realista de la imagen, también se pretenderá la total adulteración del sonido original a través de interferencias y distorsiones. Estas actitudes agresoras implican una destrucción radical del material sonoro y visual de la película, impidiendo al espectador la simple contemplación estética de la obra en cuestión. En cualquier caso estos grupos basarán su discurso en la acción y en la agresión de la imagen apropiada. Al final, además del ataque virulento a la imagen, también se pretenderá en última instancia la agresión al espectador convencional; un espectador que, como ocurre hoy en día, aparece sumido en la más absoluta de las parálisis.

Quizás una nueva actitud iconoclasta ante la sobresaturación visual que hoy padecemos no esté demasiado en consonancia con los tiempos que corren. En pocos años la densidad de la iconosfera se ha ampliado considerablemente; el hombre actual aparece envuelto en un torbellino de imágenes, las nuevas tecnologías permiten incluso sumergirse en ellas. Es por eso que una actitud crítica ante la imagen -ya sea cinematográfica, televisiva o infográfica- y su casi siempre vacío contenido, se hace necesario por no decir vital.

Rafael Pinilla

Jonas Mekas

2006-07-06T04:55:00.001-05:00

Jonas Mekas

He Stands in a Desert Counting the seconds of his life.

La obra expuesta en el museo Rufino Tamayo, es una secuencia en donde el autor, tal como Gary Hill, no prioriza la imagen por sí misma sino el tiempo, un tiempo no lineal sino recuperable, la voz y la escritura-texto¹. En ésta Jonas Mekas, plasma escenas de su vida pasada, a manera de una autobiografía fragmentada; esto puede ser comparado con el trabajo de W. Vostell y N. J. Paik, quienes a través de collages y dé-collages evidencian cómo la televisión funciona como un medio que conforma nuestros puntos de vista sobre el mundo².

Durante el video Mekas nos muestra imágenes de su familia, sus amigos y con esto etapas de su vida, niñez, juventud, etc. Todo a través de la lente de su cámara, de éste modo se relaciona con el artista Bill Viola, quien dice que: el video se convierte en un doble permanente del paisaje, de todo lo que la cámara, convertida en el ojo de un nuevo místico, observa en tiempo real³. Así pues en el texto de Arte y nuevas tecnologías nos dan la definición de video la cual concuerda perfectamente con lo antes dicho, esta definición es la siguiente: palabra de origen latino, se puede traducir como <>.

Por otro lado esta obra refleja hacia el espectador una serie de emociones representadas por todos los personajes del video, que a su vez tienen una relación estrecha con Jonas quien mostrándonos esto representa así su sentir. Por ejemplo en el video nos habla de que fue perseguido y apresado por los nazis, y tras éste exilio al regresar no pudo evitar sentir la nostalgia de haberse perdido de varios momentos.

Con lo anteriormente planteado cabe mencionar a la artista Christine van Assche, quien afirma que los videos y video instalaciones suponen un absoluto cuestionamiento del cuerpo, del espacio y de la relación con el espectador⁴.

Toda ésta serie de acontecimientos narrada por el autor en la cual nos muestra espacio, tiempo, objetos, etc. a través de varias imágenes y con ayuda de varios personajes, incluso algunos de ellos trascendentales a nivel mundial, conlleva un ligero grado de apropiacionismo, pues a través de lo que hacen los demás, los que lo rodean, muestra su vida. Es una forma de tomar algo ya hecho y transformarlo para su propio beneficio.

Incluso dentro del video aparecen una serie de imágenes como de una galería de fotografías pop-art las cuales lejos de ser obras suyas, las toma prestadas para lograr mostrarnos lo que él ve.

Después de haber hecho éste pequeño análisis sobre la obra de Jonas Mekas, cabe decir que la tecnología avanza día con día y como se ve en el texto antes mencionado, estas nuevas tendencias podrían llegar a sustituir hasta cierto punto la pintura y la escultura, pero debemos observar los pros y los contras y no dejar ninguna del lado.

1. La posmodernidad fría en Europa y en Estados Unidos. 1985-1990, p.p. 454

2. Idem p.p. 442

3. Idem p.p. 451

4. Idem p.p. 454

Francis Alÿs

2006-07-06T04:55:00.000-05:00

Francis Alÿs

Diez cuadras alrededor del estudio

Todo lo que vi, escuche, encontré, hice o deshice, entendí o malentendí, a diez cuadras alrededor del estudio en le centro histórico de la ciudad de México

Esta exposición que vale muchísimo la pena, es tan sencilla que tiene un toque especial, al entrar simplemente de cómo esta planeada te da curiosidad, se siente un ambiente tranquilo, con sonidos urbanos combinado con elementos fuera de esta realidad, en fin , es una exposición que va alrededor de 10 cuadras del centro histórico de la cuidad de México, y nos revela muchas cosas que ya nos son tan comunes, que al verlas por fuera siempre nos parecerán mas increíbles, Francis Alÿs, es un arquitecto belga, quien radico en México por una temporada y en esta se dedico a caminar por el centro y a que este fuera su campo de trabajo, al entrar te encuentras con una serie de apuntes sobre calles, y lugares de cuando surgió esta obra que fue hace 15 años aprox. Y te revela calles que en la actualidad ya no existen, nos da también fotografías de perros callejeros junto con vagabundos que se van proyectando, sin dar un título, una justificación, simplemente nosotros frente a la obra queriendo entender lo que queramos, de las obras todas valen la pena por el significado, algunas son secuencias, videos de historias de cubos de hielo, historias de botellas pateadas, de perros chocando, de basureros creando montañas de basura, gente acumulada bajo la sombra del asta bandera, armas de fuego transitando y amenazando por las calles, o simplemente demostrando la curiosidad de la gente por nada. Todo esto en diferentes medio visuales, video, con sonido o sin él, fotografías, diapositivas proyectadas, o con las que teníamos contacto como carritos imantados, o secuencias de fotos donde nos cuenta historias de trueques en la actualidad, esta increíble, el poder ver todas estas historias sin palabras algunas, también porque son historias que tenemos tan cerca de nosotros que no nos percatamos de todo el universo de posibilidades que se tiene para hacer mucho material y que de algo tan sencillo puedan salir tantas cosas con un significado diferente.

Colectivo Hematoma

2006-07-06T04:53:00.000-05:00

Colectivo Hematoma es un experimento visual formado por 17 diseñadores gráficos de la ciudad de Guadalajara, México.

Todos somos diseñadores gráficos por vocación, convicción o profesión con múltiples antecedentes: productores, electrónicos, multimedia, directores de arte, ex-directores de arte, cabezas de despacho, independientes, creativos publicitarios y estudiantes.

Así de heterogéneos coincidimos en que el medio que más nos serviría en esta búsqueda de lenguajes personales es el cartel ya puede tener la síntesis y la contundencia, la abstracción y la ambigüedad.

La mecánica de trabajo que acordamos es: cada mes escogemos un tema -social, político, lúdico, triste, extraño, equis, ye o zeta- luego cada quien presenta una propuesta y criticamos, sugerimos y discutimos hasta que todos quedamos conformes con la serie de carteles.

Hematoma nace porque 17 diseñadores avecindados en Guadalajara coincidimos en que era necesario hacer algo para que la gente volteara a ver el diseño en esta ciudad. (Creemos que lo estamos logrando, ya nos han dicho varias veces que no dibujamos tan feo). Escogimos el cartel porque es el medio más completo para el trabajo de diseño ya que requiere síntesis, claridad, contundencia, visuales interesantes y, además, es el más accesible para lograr una comunicación masiva, bueno, eso pensábamos hasta que las autoridades nos dijeron lo contrario.

Funcionamos como taller de talacha, de auto-ayuda y a veces de diseño (no diseñamos pero cómo nos divertimos). Todos los martes nos vemos pasadas las nueve de la noche. Estas juntas son parte central del proyecto, en ellas presentamos, criticamos, escuchamos, refutamos, volvemos a criticar, mandamos a la chingada, la rayamos, “¿qué te pasa güey? ‘tas pendejo”, nos encabronamos, decimos “salud, no hay pedo” y empezamos de nuevo. Buen sistema ¿no? Llevamos año y medio así.

Durante este tiempo hemos realizado 11 ejercicios (La Justicia, Canción Popular, Los Derechos de la Naturaleza, Cortometrajes, Décimo aniversario luctuoso de las explosiones del 22 de abril en Guadalajara, el Albur, La Mano, Represión, 85 aniversario del periódico El Informador, Cuento Infantil, La Represión, Adicción tecnológica), 2 proyectos especiales y una deuda de cincuenta mil pesos. El compromiso con nosotros mismos es completar 12 temas, editar un libro, tomar chocolate y pagar lo que debemos (¿y nuestra nieve?).

Este colectivo es puro desmadre, pero en ocasiones logramos transmitir un mensaje que provoca una reflexión y trasciende el medio (el cartel) para formar parte de algo mayor como sucedió con el ejercicio del 22 de Abril; nos sentimos particularmente satisfechos por este trabajo. Aunque este colectivo básicamente es puro desmadre.

Hematoma se trata de hacer algo, de hacer algo que nos gusta y que nos divierte. No pretendemos cambiar la cara del diseño en México (si es que tiene una); queremos motivar a otros para que lleven a cabo sus ideas - muchas de las cuales seguramente serán más importantes que las nuestras. Lo más divertido será cuando hematoma deje de ser “un movimiento de diseño” y se convierta en La Propuesta Más Chafa de comunicación visual de todas las que existan en el país.

De hematoma.com

Esta propuesta para nosotros como diseñadores es algo muy importante, porque nos da una muestra de lo que se realiza en cuanto a diseño en nuestro país, con diseñadores reconocidos, de diferentes partes, universidades e ideas, estilos, pero con fines similares, nos da un impulso a no quedarnos en las ofertas que se nos presentan y ya, si no que tenemos la opción de buscar nuestros proyectos o prepuestas alternativas, que nos interesen o mejor aún como se nos planeta, nosotros mismos, sacar esas inquietudes y comunicarlas con calidad gráfica, sin que tengan que llevar temas ligados, o necesariamente muy profundos, simplemente algo que se pueda comunicar y oír lo tanto intercambiar información importante y no siempre buscando el fin de lucro.

aún con ellas

2006-07-06T04:45:00.000-05:00

Aún con ellas.

Premisa

El amor supera las actitudes maniáticas

Storyline

Un hombre deja a su mujer por maniática. Con el tiempo se da cuenta de ciertas manías que no realizaba antes de romper con ella, desesperado le pide consejo a un amigo suyo, quién, para tranquilizarlo le ejemplifica manías de personas tanto conocidas como desconocidas, para demostrarle que estas obsesiones no son nada extraño, y que forman parte de la personalidad de cada individuo. Tiempo después, este sujeto acepta sus manías y descubre que no eran razón suficiente para interponerse en el amor que le tiene a su pareja, así que logran reconciliarse.

Sinopsis

Antonio se ha sentido incómodo con Valentina debido a algunas manías que realiza y después de pensarlo, ha decidido que ya no pueden estar juntos, y que con esas manías no van a llegar a ningún lado.

Semanas después, Antonio se da cuenta de muchas manías que no hacía antes de dejar a Valentina y que estaban interfiriendo en su trabajo, así que desesperado llama a Diego, un psicólogo amigo suyo, con el que quería platicar en persona, ya que necesitaba pedirle un consejo, sin embargo Diego le da una negativa, pues se encuentra muy ocupado. A tal respuesta, Antonio se ve en la necesidad de ir a buscarlo a su consultorio. Al interceptar a Diego en su consultorio, no le queda de otra más que irse al café y platicar

Antonio se adelanta al café para ver unos negocios cerca de ese lugar, poco después llega Diego y comienzan a platicar un poco de cómo les ha ido últimamente antes de llegar al tema que les incumbe. Y el problema es que Antonio ha comenzado a darse cuenta de que realiza ciertas manías que no tenía antes de romper con Valentina, siendo esta la principal razón de por que Antonio decidió separarse de ella, las manías de aquella mujer, la suma de todas esas pequeñas obsesiones que en un principio no le molestaban, sin embargo, en el viaje que hicieron, llegaron a colmarle y a hacerlo tomar la decisión de separarse.

Antonio cree que Valentina le pasó todas esas manías en el tiempo que estuvo con ella y ahora están interfiriendo en su desempeño personal y laboral, es por eso que recurrió al consejo de Diego, quién, para intentar tranquilizarlo, le empieza a mostrar que tener ese tipo de manía no es nada del otro mundo, por el contrario, forman parte de la personalidad de cada quién, ya que estar todo el tiempo con algo en la boca, no soportar las arrugas en las sábanas, mover los pies o las manos repentinamente, no hacen que una persona esté loca, son movimientos u obsesiones un poco extrañas, pero pensándolo bien, ¿Quién no tiene alguna o algunas manías de este estilo?

Antonio se identifica con muchas de las manías mencionadas, y se da cuenta de lo normal que es tenerlas, y de lo anormal que somos todos, así que se comienza a tranquilizar, y a ver las cosas de otra forma, lo cual lo lleva a pensar, que las manías de Valentina no fueron razón suficiente para dejarla ir…

Antonio descubre que el amor que tiene por Valentina es superior a las manías que los separaron, así que decide llamarla e intentar arreglar las cosas.

Poco tiempo después, Antonio vuelve a llamar a Diego, para ver cuando se volverán a ver, aunque en esta ocasión no es para otra pequeña terapia psicológica, simplemente es para una reunión amistosa. Antonio se ha reconciliado con Valentina, y se dio cuenta que las manías de los dos no tenían por que interponerse en su relación, ya que aceptar como es Valentina, es aceptarla con todo y sus manías, ya que al fin y al cabo, son parte de ella, y parte de todos.

aún con ellas

2006-07-06T04:44:00.000-05:00

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Video Argumentativo de la carrera de DCG en la UAM - X

2006-07-06T04:34:00.000-05:00

TU MEJOR OPCION

Mecanismos especificos de la argumentacion

Cuadro explicativo de la interdependencia dialéctica entre la grantía, las razones, la interferencia y la conclusión, según Toulmin, 1984; aplicado al video argumentativo

Modelo Actancial

Fuentes de informacion

2006-07-06T04:33:00.001-05:00

http://www.portaldearte.cl/terminos/fluxus.htm

http://www.nombrefalso.com.ar/materias/apuntes/html/barthes_3.html

Fuente: Manual para Museos de Venezuela. Editado por la Dirección General Sectorial de Museos del Consejo Nacional de la Cultura - CONAC, como un órgano del Sistema Nacional de Museos de Venezuela.

http://www.nuevamuseologia.com.ar/iluminacion.htm

Apuntes

2006-07-06T04:33:00.000-05:00

Estilística.- Modo de hacer. Historia de la morfología (de la forma).

Estilo.- Modo de ser. Elementos que producen y determinan el lugar de un signo.

Estilo ──── Modo de representación

↓ \

↓ Modo estético

Estética.- Modo de apropiarnos de algo.

El Modelo Actancial

Es para formar y analizar narraciones.

Actante: Clase que agrupa en una sola función los diversos papeles de un mismo tipo:

Héroe, adversario → La noción del actante ha facilitado la elaboración de una lógica narrativa porque fundamenta la tipología de los personajes durante el análisis del relato.

Los diversos papeles: los distintos roles que cumplen las personas u objetos de la narrativa.

El conjunto de los papeles actantes es un paradigma (querer, poder, deber, saber) son los “modos de acción” que los actantes pueden asumir en el transcurso de la narración con papel actancial es un modelo organizado de comportamiento cuyas manifestaciones son previsibles y que está ligada a la posición en la sociedad del personaje que lo desempeña → aparece investido de acuerdo a su modo de (vida) existencia → el papel actancial se define por la posición del actante.

En el transcurso de la narración puede moverse de lugar la función del modelo actancial cuando cambia la perspectiva del agente.

El papel actancial se define por la posición del actante.

Objetivo aplicado al diseño: reconocer en el modelo actancial, un modelo ordenador.

NOTA: Para que exista una narración, mínimamente deben de existir dos actantes: sujeto/objeto.

Cada actante, puede ser no solo una persona, sino también una nación, un campo de futbol, puede ser un rol. Los roles que cumplen las personas u objetos en una narrativa.

Mecanismos específicos de la argumentación

Intentar persuadir partiendo de diferentes lugares para argumentar, son situaciones retóricas originadas por distintas deliberaciones.

*Para Toulmin las argumentaciones dependen de los acuerdos sociales para realizar las inferencias y donde vemos que las creencias y las opiniones comúnmente aceptados son los que constituyen el punto departida de las argumentaciones es decir, razonamientos que parten de los acuerdos previos del público.

*Para el autor los argumentos se pueden categorizar:

Unas razones son invocadas para gozar una conclusión con base a un acuerdo previo garantía-generalmente implícito.